Эмалевый циферблат: изысканность ручной работы

Эмаль: стекловидный прозрачный сплав, состоящий из кварца, соды, мела, карбоната магния и окиси свинца.
Эта странная смесь различных ингредиентов удивительно легко поддаётся обработке.
По структуре она схожа с фарфором и стеклом. Выглядит эмаль так же красочно и роскошно, как драгоценные камни.
Эмаль получают в результате обжига кристаллов кремния, смеси магния и буры (тетраборнокислотный натрий).
Обработка материала происходит путём плавки: эмаль при высоких температурах плавится так же, как стекло.

История одного сплава

Слово «эмаль» ведёт своё происхождение от европейских слов: французского émail и немецкого Schmelz, schmelzen – что в буквальном переводе означает плавить. В русский язык оно попало, как заимствование в XVIII веке, русские мастера также называли эмаль «финифть», от греческого слова, которое в переводе означает «светлый камень». На протяжении веков эмаль и техники эмальерной обработки мастера различных стран называли по-разному: однако, все эти слова могли всего лишь слегка передать удивительные качества и красоту эмали.
Эмальерное искусство прошло долгий путь развития, который начался ещё в древних цивилизациях: Древний Египет, Китай, Индия и Византия стали местом рождения этого удивительного сплава, который постепенно дошёл до средневековой Европы, а затем распространился и в России.
Сегодня эмаль с успехом используется в различных сферах: в архитектуре, в интерьерном дизайне, в ювелирном деле и часоделии. Именно в часовом искусстве эмаль заняла совершенно особое место, а в частности в деле создания оригинальных и уникальных циферблатов, о чём мы и расскажем вам в этой статье.
Эмалевый циферблат - совершенно особое направление в современной часовой индустрии, потому что за небольшой по размеру миниатюрой стоит долгий путь развития и накопленного опыта, различных техник и строго хранимых секретов мастерства. Однако, прежде всего – немного истории…

***
Искусство эмали, или как его называли по-другому – финифти, уходит своими корнями в далёкое прошлое. Яркость и нетускнеющая насыщенность красок, свежесть цветов, блеск и роскошь, равная своей красотой сиянию драгоценных камней и богатые художественные возможности – вот неполный перечень тех качеств, которые на протяжении веков и до сегодняшнего дня привлекали к эмали графиков, скульпторов, монументалистов, живописцев, ювелиров и часовых мастеров.
Процесс соединения металла и стекла, инкрустирование металла многоцветными вставками – всё это было известно мастерам Древнего Египта, Китая и Индии. Именно поэтому старинная посуда и украшения этих стран и сегодня поражают безупречным качеством исполнения, изяществом и тонкостью работы.
Прикладное искусство древнего мира стало первым образцом, из которого черпают вдохновения многие современные мастера. Постепенно искусство эмалирования распространилось в Древнюю Грецию и Рим первых веков нашей эры. Востребованность, популярность и широкое использование эмали сподвигало мастеров постоянно искать новые формы её применения. Эмаль была украшением женского убора – подвески, ожерелья, диадемы, серьги изготовлялись с применением эмали, она использовалась при отделке посуды и церковной утвари, различных предметов быта. Эмаль использовалась для украшения и мужских предметов обихода. Так, ею украшали парадную конскую сбрую и оружие. Обычно эмаль сочетали с чеканкой, драгоценными камнями и гравировкой на серебряной и золотой основе.

Византийская эмаль – классика эмалирования

Полная картина возникновения и развития эмали может создаться только при изучении происхождения европейского искусства. При его подробном рассмотрении можно с уверенностью сказать, что искусство эмалирования – родом из стран Азии и особенно Востока. Именно эти страны привнесли свой особый стиль в искусство эмалирования и развитие различных технологий, которые по сей день используются в районе Средиземноморья.
Однако, как классический образец эмали история искусств рассматривает византийскую эмаль, её возникновение и развитие. Именно византийская эмаль считается классическим образцом эмальерного искусства, несмотря на то, что кельтско-римские выемчатые эмали появились на 500 лет раньше, а некоторые египетские вставки камней по технике перегородчатых эмалей на тысячелетие старше византийской эмали.
После того, как эмаль распространилась из Египта, Китая и Индии в Античную Грецию и Рим она стала одним из самых популярных материалов, наравне с драгоценными металлами. Так, в позднеантичной Византии особенно популярной была обработка драгоценных металлов. Постепенно вместе с металлами приобретала популярность и обработка драгоценных камней, а далее появились первые предпосылки объединения металла и стекла.
В Византии в этот период царила невиданная роскошь. Во многих городах, а в особенности в столице – Константинополе (нынешний Стамбул), церкви и дворцы выкладывали золотой мозаикой. Предметы интерьера, знаки отличия господствующих классов, свящ енные сосуды – всё было образцом роскоши и изысканной работы. Можно предположить, что византийская эмаль в основном развивалась, как изобразительное искусство: в оформлении торжественно строгих икон, удалённых и оторванных от земной действительности наблюдается соединение перегородчатой и выемчатой эмали. Существуют свидетельства, относящиеся к периоду царствования Юстиниана (VI век), по которым можно судить о значительной развитости этих техник в этот период. Однако многие из этих прекрасных изделий были уничтожены во время «иконоборчества» в период 726-843 года.
Временем эмалевого расцвета Византии можно считать XII век, после которого начинается резкий упадок. Однако краткосрочный опыт Византии в деле освоения эмалевых техник оказался решающим в формировании его на периферии византийского мира: Сербии, Киевской Руси, Грузии и Армении.
Как образец восточной техники эмалирования можно отдельно отметить знаменитое блюдо эмира Давуда, покрытое с обеих сторон перегородчатой эмалью. Согласно надписи оно принадлежало эмиру Давуду (1119-1144 гг), который имел резиденцию в верховье Тигра. В середине блюда изображено вознесение Александра Великого. Уникальное блюдо сохранилось только благодаря случаю и сегодня остаётся прекрасным примером византийского эмалирования. Как отмечают исследователи, в оформлении этого блюда смешаны элементы византийского, персидского стиля и стиля чуть более поздней античности.
Древнее искусство эмалирования ценилось очень высоко, что могло быть обусловлено трудоёмкостью технического производства, сложностью приготовления самой эмалевой массы. Так, в Византии искусство эмалирования было доведено до совершенства, как в отношении чистоты цветовой палитры и разнообразия художественного оформления, так и необыкновенного блеска, яркости, прочности, крепости и долговечности, благодаря которым и эмаль стала такой популярной и особенной. Особенностью византийской эмали стал сложный состав и исключительные художественные достоинства, свидетельства о которых до нас дошли с помощью византийских летописцев. Так, существует свидетельство о том, как во второй половине VI века во время строительства Софийского собора в Константинополе императором Юстинианом изготовлялась финифть для его алтарного золотого престола.
Образцов византийских эмальерных изделий возрастом до X века сохранилось очень мало, и поэтому исследователям развития эмальерного искусства достаточно сложно сказать что-либо про технику изготовления эмальерных изделий этого периода.
Расцвет византийской эмали относится к периоду X-XI веков. Именно в это время произведения, выполненные с применением перегородчатой эмали, достигают пика своего совершенства, как по своим художественным достоинствам, так и по технике исполнения.
XII век становится началом упадка эмалевого мастерства, а изделия следующего столетия принимают более грубый и ремесленный характер. Постепенно технические качества эмалей и былая прочность материала сходит на нет, сочетание красок становится резким, утрачиваются эмали лучших цветов…

Эмаль на Руси

Первые на Руси изделия, выполненные с применением эмали, относятся к III-V веку. Мастерские, изготовляющие такие изделия, встречаются Приднепровье, в районах рек Десны и Оки: при раскопках в этих районах были обнаружены различные образцы выемчатой эмали по меди. Древнерусские перегородчатые эмали по серебру и золоту встречаются во второй половине XI и XII веков. Эмали, которые использовались на Киевской Руси, составлялись из местных материалов. Так, во время раскопок в Киеве близ Десятинной церкви были найдены следы трёх ювелирных мастерских, где были обнаружены не только изделия с перегородчатой эмалью, но и куски эмали, её остатки в горнах и тиглях, в которых и производилась плавка. Термин «эмаль» и само эмалирование начал распространяться в России в конце XIX века.
Некоторые исследователи отмечают, что в Россию термин «эмаль» пришёл из Западной Европы, из Франции, постепенно вытеснив стары термин греческого происхождения – финифть. Слово финифть в переводе с греческого языка буквально означает светлый блестящий камень. Другие специалисты, утверждаю, что термин пришёл на Русь в X-XII веках из Византии.
Как бы то ни было, первые русские летописцы писали это слово как «финипт» или «финифть». А в древнерусских «мастеровниках» (описаниях) XII века эмаль также называли мусия, что представляло собой смальтовую мозаику, напоминающую своим внешним видом древние византийские финифти, которые привозили в Россию. Термин «мусия», впрочем, вскоре вышел из употребления, а «финифть» встречается только тогда, когда необходимо подчеркнуть старинное происхождение какого-либо изделия или для того, чтобы подчеркнуть связь современного изделия с древним изделием.
Однако русская эмаль отличалась от византийской, и не в лучшую сторону: она была менее прочной, менее стойкой к внешним условиям. Так, в кладе, найдённом в Старой Рязани, были обнаружены изделия, как с византийскими, так и с русскими образцами, которые сохранились намного хуже.
По отрывочным сведениям, которые сохранились в древнерусских рукописных источниках, можно составить некоторое представление об особенностях состава эмалевой массы древнерусских ювелиров, об особенностях русской технологии, о трудностях и неудачах, которые возникали при этом.
Расширение торговых связей с Западом и Востоком вскоре привело к тому, что московские мастера XVII стали имели возможность работы с привозной эмалью, полученной в торговых рядах. А в XVIII веке эмаль, которую доставляли через Архангельск, стала доступной и мастерам Севера (Сольвычегодск).
Лучшие мастера держали свои рецепты в строжайшей тайне, следовательно, каждый мастер, который занимался изготовлением эмалевой массы, доходил до мастерства исключительно своим опытом. Поэтому широкую известность получили лишь некоторые составы эмалей.
Как прямые наследники греческой культуры – русские мастера вначале использовали эмаль, как фон на чеканных и литых изделиях, а к началу XVI века русские мастера уже освоили перегородчатую эмаль, которая нашла широкое применение в деле создания церковной утвари…

Цветовые оттенки эмали

Различные оттенки эмали получают при помощи добавления различных окислов металлов. Так, например, окись марганца придаёт металлу коричневый и фиолетовый оттенки, окись железа в сочетании с другими компонентами окрашивает эмаль в жёлтый цвет, красный, серый или чёрный, а окись меди придаёт эмали сине-зелёный цвет.
По своей структуре эмаль может быть прозрачной или непрозрачной (или как её называют мастера - глухая).
Чистоту и прозрачность эмали придают окиси свинца, непрозрачность - результат подмешивания глушителей, какими являются окись олова, каолина, костной муки.

***
Сегодня эмаль можно назвать практически таким же популярным материалом для отделки и декорирования различных предметов, как и много лет назад. Эмальерное искусство в своём развитии перетерпело несколько этапов: от использования в древних цивилизациях, большой популярности в средневековье, практически полного забвения и возрождения в XIX веке.
Сегодня эмаль заняла своё особое место в ювелирном деле, в оформлении интерьеров, в прикладном искусстве, дизайне и кроме традиционных изделий из эмали, этот материал проник даже в архитектуру, как один из самых прочных материалов, сохраняющих цвет и структуру, невзирая на капризы погоды. Особенность эмали – яркие краски, блестящая гладкая поверхность, глубина и интенсивность цвета, и чёткий контурный рисунок. Все эти качества требуют от мастера композиционного решения.
В наше время, так же как и в старину один из наиболее распространённых элементов мотив растительного орнамента. Однако современные часовые мастера, которые сделали искусство эмали полноправной частью часовой индустрии, пошли намного дальше простых орнаментов. На небольшом эмалевом циферблате порой воспроизводятся шедевры мировой живописи и портретного искусства, исполняются воздушные симфонии самых прекрасных изображений, которые только могут придумать художники. Изделиям с эмалью присущи малые формы. Именно поэтому это искусство нашло и по сей день находит такое яркое воплощение в часовом деле.
Пока традиции восточного декоративного искусства отводили эмали роль оформительского материала, схожего с инкрустацией или чеканкой, в Европе уникальный сплав стал полноценной художественной отраслью, что произошло благодаря появлению первых карманных часов.

Карманные часы – картина на шее

Скорее, карманные часы изначально можно было бы назвать «нашейными» часами, ведь изначально в кармане их никто не носил, и начали делать это только два века спустя. Первые часы в мире носили на шее, на цепочке, а английский термин pendant watches, в буквальном переводе означает часы-подвески.
Своё начало часы-подвески берут с 1510 года. В это время они имели шарообразную форму и только к 1630 году они приобрели привычный для нас вид: круглый корпус с крышкой.
Первые часы вызывали большое сомнение по поводу точности своего механизма и в первую очередь воспринимались как украшение. Именно поэтому оформление изделия занимало так много времени: над ним трудились не меньше, чем над наградными знаками.
Для оформления корпусов мастера часоделия использовали техники Cloisonne и Champleve (клаузон и шамплеве), которые и сохранились до сих пор и пользуются большой популярностью у современных часовых компаний класса люкс. Если говорить о технической сложности выполнения, то оба рисунка очень сложны и требуют точнейшей кропотливой работы, особенно когда речь идёт о небольшом пространстве корпуса часов, его крышки, или тем более о циферблате.
Так, для выполнения рисунка Champleve (шамплеве) мастер тончайшим лезвием вырезает в золотой основе миниатюрные ячейки, в которые слой за слоем заливает различные оттенки горячей эмали.
Если же говорить о Cloisonne (клаузон) то выполнение этого рисунка намного сложнее, чем Champleve (шаплеве), поскольку в его основе лежит «сетка» из золотой нити, длина которой порой достигает 100 метров, а толщина – не больше толщины волоса. В тончайшую сетку, закреплённую на металлической основе, заливаются отдельные разноцветные фрагменты эмали, составляющие один рисунок. Сама золотая нить после этого становится практически невидимой: её можно рассмотреть разве что в лупу. Именно поэтому рисунки, выполненные техникой Cloisonne, выглядят, намного детальнее и натуралистичнее, чем Champleve.
Однако ни Champleve, ни даже Cloisonne не могут равняться или соперничать с настоящей живописью, поскольку не передают ни глубины изображения, ни игры светотени, ни оттенков…

Циферблатная эмальерная миниатюра

Искусство эмалирования так бы и осталось в категории прикладных ювелирных техник, если бы в XVII веке не произошла самая настоящая революция в эмальерной миниатюре: небольшое пространство циферблата стало полотном, вмещающим самые дерзкие задумки художников. Можно отметить, что эмальерная миниатюра и часы появились практически одновременно. Оттуда и пошло это «родство»: эмальерные миниатюры очень скоро стали «вторым лицом» хронометра.
Родоначальником эмальерной циферблатной миниатюры стал французский город Лимож. История началась с двух лиможских мастеров Пенико (Penicauds) и Реймона (Reymonds), которые разработали свою особую технику нанесения оксидов на поверхность металла и вскоре лиможские миниатюры стали использоваться для украшения большинства парижских карманных часов XVI века, а по известности стали соперничать даже с лиможским фарфором.
В последнюю четверть XVII века именно лиможская эмаль стала распространяться в России. По методу, разработанному лиможскими мастерами, работали мастера-эмальеры Оружейной палаты Московского Кремля, Сольвычегодска и Великого Устюга.
Однако звание центра миниатюрной живописи получил регион Эр-э-Луар и Луар-э-Ше – город Блуа. Как свидетельствует история, распространение миниатюрной живописи началось во многом благодаря войне католиков и гугенотов.
Нантский эдикт, объявленный Генрихом IV в 1598 году, повлиял на перемещения многих художников: сотни парижских часовщиков и художников стали переезжать из Парижа в протестантский город Блуа, который благодаря такой миграции художников, ювелиров и часовщиков постепенно превращался в передовой культурный центр.
Среди потока мигрирующих художников был также и 26-летний ювелир Жан Тутэн (Jean Toutin). Он-то и придумал технику живописи по эмали, которая не уступала письму маслом ни по качеству, ни по глубине изображения.
Основой техники стала пуантилистская манера нанесения эмали. Пуантилизм – от французского слова Pointillisme буквально означает точечность. Пуантилизм стал новым направлением в живописи неоимпрессионизма, возникшим во Франции около 1885 года. Основой этой живописи стали раздельные мазки правильной точечной или прямоугольной формы. Отказ от физического смешения красок стал причиной оригинального оптического эффекта.
Метод Жана Тутэна состоял в ступенчатом обжиге: на обожжённой белой поверхности художник-миниатюрист создавал миниатюрный пейзаж или портрет с помощью тонкой кисточки (или даже волоса) методом художников-пуантилистов. Светлые тона обжигали в печи и лишь потом, художник снова продолжал рисунок: теперь уже наносились более тёмные тона. Таким путём последовательного рисования и обжига художник добивался высочайшей точности изображения и самых тонких цветовых нюансов. В конце работы, после обжига и полировки последним слоем накладывался прозрачный слой эмали – fondant (фондан), он и придавал рисунку мерцающую глубину.
Этот метод удостоился такого успеха, что вскоре у Тутэна появляется множество учеников, которые впоследствии составили школу Блуа. Среди учеников именитого мастера можно выделить таких знаменитых миниатюристов, как Пьера Шартье, Дюби, Кристофа Мольера и более известного как чеканщика Исаака Грибелина.
В 1622 году Тутэн возвращается в Париж, где занимается оформлением уже карманных часов английских, немецких и, конечно, французских мастеров. Работы Тутэна постепенно приобретают известность и миниатюры на крышках и циферблатах часов постепенно перебираются через Ла-Манш.
Так, в 1635 году Саймон Хаккет изготавливает золотые часы с изображением пейзажа на крышке в стиле школы Тутэна. Часы удостаиваются большого внимания, а газета Journal des Savants 14 сентября 1676 года пишет о том, что ювелир Тутэн, родом из Шатодана достиг безукоризненного мастерства в рисовании по эмали, добившись в исторических сценах и портретах искусства, которое можно сравнить разве что с живописью с маслом.
Признание высокого уровня школы Блуа, правда, несколько запоздало. Изгнание гугенотов в Швейцарию приводит к тому, что центр ювелирного и часового дела перемещается в Женеву, а конец XVII века становится «первой смертью» эмальерной миниатюры.
Причиной «смерти» становится ряд изобретений: в 1675 году Кристиан Гюйгенс изобретает маятниковый регулятор, часы с баланс-спиралью становятся более точными, и как следствие, становятся более утилитарным предметом, не требующим особого оформления. Появляется минутная стрелка, стекло, покрывающее циферблат и вскоре все усилия мастеров направляются на постоянное совершенствование механизмов. Часы начинают убирать в карман, и яркое декорирование становится излишеством. И вскоре эмалевые картины практически полностью вытесняет гравировка гильоше.
С появлением массового производства и так называемого Нового искусства эмальерное искусство «умирает» окончательно. Этот процесс можно назвать вполне естественным, если учесть, что одно только нанесение рисунка на поверхность металла по этой технике занимает 250 часов и изготовление подобных изображений могло быть только в штучном варианте. Кроме прочего эмаль оказалась малопригодной для вошедшего в моду нового течения абстрактного и импрессионистического искусства. Эмаль не спасло ни особая яркость цветов, которые оказались пригодными больше для цветов, портретов и пейзажей, ни нетускнеющие краски…

Эмаль в часоделии: возрождение

Можно задаться вопросом: что же представляет собой часовое искусство? Многие скажут – часовой механизм, сложность его конструкции, искусность и красота гравировки. Другие ответят, что достойное оформление механизма - корпус, инкрустация, циферблат, – это не только «красивое» дополнение к механизму, но и отдельная вполне самостоятельная сфера часоделия, которая играет, если первую, но крайне важную роль в создании, а затем и в выборе хронометра.
Как бы ни были различны эти мнения, вывод очевиден: «внутренность» и «внешность» хронометра гармонично дополняют друг друга и по отдельности не могут производить того ошеломляющего впечатления, как в «хронометрическом альянсе».
Ещё на заре часоделия, когда карманные часы были единственными хронометрами и особо не отличались точностью, их крышки были декорированы эмальерными картинками. Именно тогда и родился союз механической части хронометра с эмалевой «декорацией».
В то время, когда часы были главным образом украшением, а не измерительным прибором, требующим точности, эмалевый дизайн был основным достоинством часов. Но технический прогресс, развитие часового механизма и появление минутной стрелки вытеснило эмалевые картинки с крышек и с циферблатов. Некоторое время так и продолжалось, пока часовщики и их заказчики не осознали, что сложность и точность механизма должна иметь достойное оформление. Только тогда наручные часы станут изделием, достойным высшей похвалы…

***
Налаживание торговых отношений Европы с Китаем в XVII- XVIII веках сильно поспособствовало возрождению эмалевой миниатюры. Китайскому императору до безумия нравились «европейские штучки», а ещё больше – расписные часы. Так, китайская императорская коллекция, до того как её не разворовали во время Гоминдановских войн, включала тысячи табакерок и шкатулок с эмалевыми миниатюрами, а также часы.
В XVII – XIX веке Женева становится центром эмальерного искусства. Последние мастера и художники, оставшиеся во Франции, вынужденно перебираются в нейтральную Швейцарию, из-за революции. А затем из-за наполеоновских войн.
История эмальерной живописи насчитывает около 80 художников и миниатюристов, которые в этот период работали в Женеве. Среди них знаменитости: Франсуа Тэнгю и Птито, Лиотар и Тюрке де Мейнн.
Однако одним из самых крупнейших и известным мастеров XIX века считается Жан-Луи Рихтер, который в своё время создал огромное количество миниатюр для швейцарских часовых компаний. Отдельно из его работ, можно выделить часы с эротическими изображениями, которые доставляли на восточный рынок многие известные часовые дома (Blancpain и другие).
Вскоре эмальерную живопись начинают осваивать, а точнее возрождать и в Москве: с середины XVIII века школу Блуа начинают активно осваивать русские мастера. Первыми знаменитыми живописцами по эмали стали Андрей Овсов и Григорий Муссикийский.
К 80-ым годам XVIII века эмалевая живопись становится настолько популярным видом искусства, что в академии художеств России учреждают эмальерный класс. С 1790-го года классом руководит Пётр Жарков, работы которого сохранились до сегодняшнего дня. Ещё один толчок развитие эмальерное искусство получает во время Карла Густава Фаберже, который активно использовал в своих работах миниатюры на эмали.

Развитие и виды техник эмали

В течение многовекового развития искусство эмали постоянно развивалось и совершенствовалось. На основе изучения многих старинных эмальерных техник, на сегодняшний день можно выделить несколько основных, применяющихся в работе с эмалью. В ходе развития наиболее яркими стали несколько основных способов работы с эмалью: выемчатая, перегородочная, оконная и живописная эмали. Появление в эмальерном искусстве техник Cloisonne (перегородчатая эмаль), Champleve (выемчатая эмаль) или Grand Feu (горячая эмаль) было основными методами работы мастеров Индии, Древнего Египта и Китая. В основном они пользовались смесью магния и кобальта. После нагревания смеси до температуры 12000 она при застывании превращалась в однородный материал глубокого мерцающего синего цвета, с которым мастера продолжали работать: придавать оттенки и оформлять в рисунки. А мастера Византии, например, при помощи Grand Feu смогли получить вместо тёмно-синей ярко-голубую эмаль, которая сегодня называется звучным словом Tourquise (туркуаз). Византийская техника горячей эмали практически вытеснила вставки из бирюзы в ближневосточном мире…

Выемчатая эмаль - Champleve (шамплеве): одна из наиболее простых техник использования эмали, которую специалисты рекомендуют тем, кто только начинает осваивать работу с эмалью. В изделиях древнегреческих и римских мастеров первых веков нашей эры в основном применяется именно эта техника. Римские мастера закладывали стекловидную массу в специальные углубления в металле и рядом с золотом, медью или серебром эмаль создавала прекрасную игру цвета, создавая иллюзию драгоценных камней или своеобразной мозаики.
Основным принципом выемчатой эмали являются особые углубления на декорируемой плоскости – выемки. Их получают гравированием, чеканкой, травлением или выпиливанием лобзиком. Эмаль заполняет выемки - и узор готов.
Сегодня в основном выемчатая эмаль широко применяется в массовом производстве. Так, благодаря применению высокопроизводительных штампов, многие производители изготовляют основу под значки, эмблему и другие недорогие украшения для женщин. Изготовление такого рода изделий требует многократного заполнения выемок эмалью, обжига и, на завершающем этапе, шлифовки и полировки поверхности.

Перегородчатая эмаль - Cloisonne (клаузон): особенностью этой техники является то, что в отличие от выемчатой эмали перегородчатая не поддаётся механизированному изготовлению основы. Вся работа при работе с техникой перегородчатой эмали - ручной труд. В этом случае эмалью заполняют ячейки, которые образованы тонкой проволокой (в этом случае может быть и лента, положенная на ребро на поверхность основы). Слово Cloisonne – французское слово, означающее перегораживать, делить на отсеки, ставить перегородки.
Вид этой техники характерен для мастеров Ростовской области XII- XIII веков. Так, ростовские мастера живописного эмалевого производства миниатюр в начале века называли себя финифтщиками, а свою работу именовали финифтяным производством. Ростовские мастера считали своё мастерство более сложным и высоким и даже обижались, если их называли эмальерами или сравнивали с живописцами по фарфору. Термин «финифть» тоже постепенно вышел из употребления и сегодня его почти не употребляют.

Оконная эмаль: одна из наиболее трудоёмких техник, требующих от мастера больших практических навыков. Своё название оконная эмаль получила из-за своего свойства заполнять сквозные отверстия: «окна» основы. Это создаёт интересные цветовые эффекты, что стало особенностью этой техники. Минус такой техники в том, что при рассмотрении изделия на просвет, теряется вся прелесть игры цветов.
Сложность оконной эмали – в многократном заполнении сырой эмалью окон, которому последует обжиг. Сложен также сам процесс обжига: температура должна находиться на грани начала плавления эмали, но не больше. Когда окна затягиваются достаточно толстым слоем, только тогда проводится последняя стадия работы: обжиг при более высокой температуре. В России эту технику впервые применили в XIX веке на фирме Овчинникова.

Живописная эмаль: эта техника работы с эмалью требует не только мастерства и умения кропотливо работать, но и предполагает способностей мастера в области рисунка и живописи. Техника живописной эмали следующая: вначале выбирают основу, на которую наносят контрэмаль (слой эмали с обратной стороны). В основном – это тонкие пластины из меди. Пластину обжигают, чтобы тонкий металл не покоробился. Затем на лицевую сторону пластины наносят эмаль, которая будет служить фоном для изображения и снова обжигают. Затем специальными эмалевыми красками уже наносится само изображение или сюжет, в зависимости от задумки художника. Завершающая стадия этого нелёгкого и достаточно долгого процесса – обжиг живописного слоя. После этого на живописный слой наносят ещё один слой защитной прозрачной эмали и ещё раз окончательно обжигают.

Техника насеивание: эта техника особенно характерна при изготовлении подносов, тарелок, настенных панно, и пр. Техника насеивания эмали получила широкое распространение в последнее время. По сути – насеивание эмали не так уж и сложно: в соответствии с сюжетом задуманного рисунка вырезается трафарет из тонкого картона, через который с помощью ситечка насеиваются порошки эмали соответствующих цветов в соответствующие места. Для того чтобы порошки разного цвета не смешивались, каждый слой закрепляют клеем, который наносят пульверизатором. Обжиг изделия не отличается от других техник.

Техника горячей эмали - Grand Feu или Tourquise (туркуаз): изделия из металла, украшенные эмалью – история, которая берёт своё начало с древнего Египта, Китая и Индии. Изделия, которые были выполнены с применением техники эмалирования, отличались безупречным качеством исполнения, тонкостью работы, многоцветием и изящностью. Ювелирные украшения, посуда и различная утварь поражают красотой и красочностью исполнения.
Если говорить про горячую эмаль, как о чисто техническом понятии – то это механизированное нанесение антикоррозийных покрытий на чугунные и стальные детали приборов, машин и различного промышленного оборудования. Однако как вид ювелирного искусства или прикладного ручного искусства – горячая эмаль – это техника, превращающая самые обыкновенные вещи в яркие, полные цвета и содержания изделия.
Искусство горячей эмали называют по-разному: туркуаз или гран фё. Однако все они означают одно: древний вид декоративно-прикладного искусства.
Единого мнения о месте зарождения технологии «горячая эмаль» нет. Одни исследователи утверждают, что технология «горячей эмали» появилась более 1000 лет назад в Китае, другие полагают, что «горячая эмаль» родом из IV века – время, когда Византийская империя переживала свой расцвет. Есть также исследователи, которые утверждают, что технология «горячая эмаль» пришла с востока в X-XI веках нашей эры. И только в одном учёные смогла прийти к единому мнению: техника «горячая эмаль» - одна из самых качественных старинных и престижных технологий в работе с эмалью.
Так, есть свидетельства, что китайские императоры следили за развитием этого искусства в XII-XIII веках, щедро поощряя развитие сочетания литья бронзы и горячей эмали. Так появилась голубая эмаль, которая в тот период визитной карточкой Китая (такой визитной карточкой, к примеру, в России была гжель). Горячую эмаль использовали для украшения различных предметов домашней утвари, палочек для еды, предметов интерьера, различных украшений. Постепенно технология развивалась, и мастера научились наносить горячую эмаль не только на бронзу, но и на медь. Появились различные оттенки эмали…

Grand Feu сегодня

Современная технология изготовления изделий с применением горячей эмали включает в себя несколько этапов. Так, на первом этапе изготовляется изделие из чистой меди. Чистая медь лишена примесей, которые могут отрицательно повлиять на качество изделия, именно поэтому мастера отдают своё предпочтение ей. Затем, на заготовке изделия при помощи пресса выполняются специальные углубления, куда потом наносят специальную смесь, которая содержит воду и окрашенный песок. После высыхания массы изделие помещают в печь, и обжигают при температуре 1000 градусов. Именно такая температура нужна для того, чтобы мелкий песок спёкся в стекловидную единую массу и прочно связался с металлом. После каждого обжига процесс нанесения эмали на металл повторяют, и так до тех пор, пока все цвета не будут «запечены».
Следующий этап – шлифование. Это тоже очень важный этап в эмалировании, ведь после обжига поверхность – неровная и стекло выступает над металлическими перегородками. В основном процесс шлифования происходит вручную шлифовальными кругами, что и делает изделия отличными друг от друга.

Grand Feu в часоделии

В часоделии - технология «горячая эмаль» называется grand feu (гран фё), что в переводе означает «горячая эмаль». Этот метод тот же что и клаузон: нанесение порошка эмали на металл с последующим обжигом.
Впрочем, неважно как называются все эти методы, самое прекрасное в эмальерном искусстве то, что мастерам часового дела с их помощью «горячей эмали» удаётся создавать удивительные цветные вставки на циферблатах, которые выглядят также роскошно и изысканно, как инкрустация драгоценными камнями. Да что там вставки! Некоторые часовые компании воспроизводят на своих циферблатах шедевральные полотна мировой живописи или портретного искусства!
Техника «горячая эмаль» придаёт часам роскошный и неповторимый лоск, позволить себе который могут не все часовые компании. Ведь эта техника требует особого мастерства, которое получено только своим опытом, и тончайшего вкуса вкупе с умением воплощать свои знания…

Эмалирование – хорошо потерянное искусство

Если полистать антикварные специализированные издания, может создаться впечатление, что эмальерные техники сегодня преданы забвению. Однако это - ошибочное впечатление. На самом деле пропорции и технологии – доступны практически всем: они публикуются в различных журналах, в интернете. Потеряно другое – мастерство. Именно его, как оказалось труднее всего восстановить.
Сегодня многие часовые компании поставили перед собой довольно сложную задачу: восстановить потерянное эмальерное искусство, что и удаётся с успехом некоторым. Эти компании превратили эмальерную живопись в свою отличительную черту (например, компания Bovet).
Сегодня эмальерное искусство вновь становится популярным в часовой индустрии, об этом ярко свидетельствуют выставки в Женеве и Базеле: эмальерный рисунок становится трендом.
Особенностью эмальерного циферблата, кроме всех прочих достоинств этого материала, становится также его единичность. Ведь миниатюрная живопись или портрет на вашем циферблате, выполненный с применением эмали, - это кропотливый труд мастера, который неповторим и, несомненно, достоин восхищения…

Современные «эмалевые» компании

Итак, эмальерное искусство, владение эмалевой живописью – сегодня удел энтузиастов, основой которого стал самостоятельно приобретённый опыт, выведывание секретов мастерства у оставшихся художников.
Так, в 60-ые годы в Советском Союзе главным специалистом по перегородчатой эмали клаузон Cloisonne считался Зураб Церетели (хотя он, конечно, создавал по этой технике не миниатюры, а монументальные фрески). Техника эмалевого рисунка довольно схожа с росписью по фарфору. Однако она требует более точных и мелких мазков и большего числа обжигов, после нанесения каждого оттенка.
Стоит отметить, что сегодня специализированных школ или курсов по эмальерной живописи в бывшем центре эмальерной живописи Женеве – нет. Конечно, возникает логический вопрос: где же берутся мастера, создающие прекрасные миниатюры, украшающие циферблаты?
Оказывается, что действующих художников, расписывающих циферблаты - очень мало. Так, некоторые компании, которые стали известными благодаря часам с эмальерной живописью – не всегда привлекают к работе мастеров. У некоторых марок – собственные секреты производства, которые позволяют не только экономить на стоимости процесса, но и на времени. Ведь, как известно – эмалирование – процесс небыстрый и серьёзный. Таким образом, создаются шаблоны: на светлый фон эмали наносится один элемент (например, птичка или цветок) не кисточкой и не вручную, а методом штамповки. Хотя, как отмечают специалисты – настоящий мастер-эмальер до такого не снизойдёт.
Существует также более «тонкий» вариант шаблона: гравировка Champleve, которая наносится тончайшим слоем на циферблат. Она намечает контуры рисунка, а остальное дорисовывает уже сам мастер. Рисунок дорисовывается вручную и мастеру приходится тратить достаточно много времени, чтобы «дорисовать» картинку. Однако среди истинных ценителей эмальерного циферблата и «циферблатной» эмальерной живописи такая «дорисовка» никак не сможет сравниться с целыми миниатюрами, полностью нарисованными вручную тончайшей кистью и обожжённой по всем правилам лучших мастеров эмальерной живописи.
Работа с эмалью – сложный процесс, требующий десятки часов работы: каждую секунду эмаль может потечь, испортив кропотливую работу. Однако в результате именно такой работы конечным результатом становится «вечное» изображение, обладающее неограниченной художественной ценностью. Миниатюристы создают идеальный красочный мир на небольшом циферблате…
Сегодня эмальерное искусство занимает особенное место в часовой промышленности. Многие крупные компании взяли на вооружение техники средневековых мастеров и сегодня представляют оригинальные изделия, которые претендуют на звание «шедевр». Так, часовые компании Patek Philippe, Jaeger-LeCoutre, Bovet, Cartier представляют настоящее обилие эмальерных миниатюр, которые по красоте и мастерству могут стать в один ряд со старинными изделиями…

P.S.

Если говорить, например, о больших часах, то их механика тесно связана со скульптурой, живописью и архитектурой. Однако мы говорили про наручные часы, которые унаследовали от карманных часов красоту и «часовую грацию», а архитектурные формы - от больших настенных «крупнокалиберных» часов.
Ювелиры, гравёры, художники-миниатюристы сделали для декорирования наручных часов и возвеличивания часового искусства не меньше, чем сами инженеры-часовщики. Так, например, неизвестно, кого можно назвать большим «часовщиком» в XVIII веке: неизвестного часового мастера, работающего в королевских мастерских Версаля и собирающего безликий механизм, или придворного ювелира, который оформлял механизм в великолепный и уникальный корпус.
Стоит всегда помнить о том, что часовое искусство изначально появилось «в комплексе», ведь если бы речь шла только о механике, наручные часы не были предметом, будоражащим воображение ценителей роскоши. И если заслуги создателя механизма в первую очередь известны коллекционерам и знатокам часов, то внешнее оформление хронометра видит каждый, кто хоть раз покупал оригинальные наручные швейцарские часы. Всё-таки слово часы ассоциируются в первую очередь с циферблатом, а не с механизмом. И здесь, конечно, важную роль играет материал, из которого и изготавливается пресловутый циферблат.
Эмаль можно назвать неотъемлемой частью Haute Horlogerie. Сегодня всё больше часовых компаний выпускают наручные часы с эмалевым циферблатом, начинают возрождать традиционное искусство эмальерных миниатюр, украшающих циферблаты и корпуса наручных часов.
Сегодня в лучших часовых салонах мира, наряду с привычными терминами Reserve de Marche или Tourbillon, звучат интригующие названия Champleve, Cloisonne, Grand Feu. Традиционные и, можно сказать, средневековые ценности возвращаются в современную часовую промышленность. Ведь ручная работа ценится намного больше: здесь большее внимание уделяют всевозможным техникам, которые выполняются только вручную.
Эмальерная живопись в некотором смысле похожа на часовую механику: как и создание часового механизма, эмальерная живопись требует концентрированного кропотливого человеческого труда, точности движений и мастерства, чтобы в конечном результате получить шедевр, поражающий воображение.
Как и часовая механика, эмальерная миниатюра – ценнейшее произведение искусства и полёт человеческой мысли, который практически не испытал на себе влияния технического прогресса. Благодаря эмальерному искусству мастера возвращаются в прошлое в буквальном смысле: профессиональные эмальеры пользуются теми же художественными техниками и инструментами, которыми пользовались предшественники 300 лет тому назад.
И, наконец, в сравнении с часовым механизмом, подлинность которого может вызывать иногда сомнения, то эмальерная миниатюра – вещь подлинная на все сто. Приобретая часы с эмальерной миниатюрой или живописью, Вы становитесь владельцем реальной ценности, которая может сохраниться на долгие годы. А долговечность – одно из главных достоинств эмали: она не стирается, не распадается под воздействием влажности и света, не меняет цвет и не выцветает. И если красота и истинная ценность механизма постигается не сразу, то эмальерная живопись – словно фасад часов, его видно с первого взгляда.

Часы Tourbillon Relatif New York от компании Piaget

Наручные часы Piaget – аксессуары, интересные людям с совершенно с разными вкусами. В производстве компании – ювелирные изделия и наручные часы, с гармоничным сочетанием технической составляющей и изысканного дизайна.
Компания Piaget берёт своё начало с 1874 года. Основоположник компании - Жорж-Эдуард Пьяже, основавший свою мастерскую по производству высокоточных часовых механизмов в живописном швейцарском городке Ля-Кот-о-Фе. В начале своей деятельности мастерская просто снабжала механизмами крупные известные часовые компании. Со временем, однако, производство расширилось и вскоре часы Piaget стали символом исключительного мастерства, а собственная мануфактура компании начала свою деятельность в «часовой столице» мира – Женеве.
В 1957 году Piaget выпускает свой первый сверхплоский механический калибр с ручным заводом 9Р. В 2010 году компания выпускает коллекцию часов с титановым корпусом. После этого на выставке SIHH появляется ещё одна самая тонкая в мире модель часов с автоматическим механизмом Altiplano Ultra-Thin. Сегодня компания выпускает механизмы нового поколения 1200Р и 1208Р, толщина которых составляет всего лишь 2.35 мм, которые являются самыми тонкими в мире калибрами с автоматическим подзаводом.
В основном компании, выпускающие наручные часы разделяют свои коллекции на два типа: часы на каждый день и часы, которые могут быть интересны коллекционерам. Творческая же команда Piaget при разработке новых моделей учитывает обстоятельства, при которых будут носить часы этой компании. Поэтому мастера компании в последние годы своей работы делают особый акцент на трёх главных направлениях: ультратонкие часы Altiplano, ювелирные коллекции Miss Protocole (коллекция женских наручных часов со сменными ремешками и браслетами) и спортивные часы (коллекция Polo Forty Five).
Среди разнообразия продукции, которую представляет Piaget можно выделить особую модель – часы, посвящённые Нью-Йорк. Модель Tourbillon Relatif вдохновлённая городом, который становился музой и пристанищем для многих талантливых и знаменитых людей посвящена Нью-Йорку.
Представители компании отметили, что теперь поклонники мегаполиса смогут носить не только футболки с надписью I Love NY, но и наручные часы, посвящённые «большому яблоку». Хотя стоит отметить, что хронометр, посвящённый городу – уж точно не сравнить с футболкой, и не каждый сможет позволить себе этот аксессуар: часы Tourbillon Relatif выпущены ограниченным изданием всего лишь в три экземпляра.
Источником вдохновения для создания этой модели стала архитектура знаменитого города. Часы Tourbillon Relatif – не просто посвящение Нью-Йрку. Это – воплощение эмалевой миниатюры, представляющее самые значимые и знаменитые здания города.
Модель оснащена мануфактурным механизмом с ручным подзаводом Piaget 608P. Корпус хронометра изготовлен из 18-каратного белого золота. По бокам корпуса с одной стороны выгравирован панорамный вид Манхэттена с его двумя главными мостами, а с другого бока выгравирована панорама города и статуя Свободы. Технической особенностью калибра стало усложнение в виде парящего турбийона с титановой кареткой, который расположен на минутной стрелке.
Однако главным дизайнерским решением стал не драгоценный металл, из которого выполнен корпус, и не его оригинальная гравировка, и даже не мануфактурный механизм, ставший «сердцем» модели. Настоящим украшением часов стал чёрный циферблат, выполненный из эмали, техникой Grand Feu (гран фё). Между римскими цифрами дизайнеры модели расположили двенадцать самых высоких и знаменитых зданий Нью-Йорка. Чёрный ремешок часов выполнен из натуральной кожи крокодила. Простота и элегантность выполнения этой модели стала несомненной причиной такого успеха. Однако не забывайте о том, что часы достанутся только трём счастливчикам.

Часы Bovet – искусство эмальерной живописи

Продукцию компании Bovet можно охарактеризовать как изысканное пиршество для ценителей оригинальных аксессуаров. Каждая модель, выпущенная Bovet – произведение искусства в миниатюре. Над каждым изделием работают лучшие мастера гравировки, миниатюрной росписи и эмалирования.
Годом создания компании считается 1822 год. Однако история Bovet начинается с того момента, когда основатель компании Эдуард Бове по окончании университета вместе с братьями Фредериком и Альфонсо уезжает в Лондон, считавшийся в то время европейским центром часового производства и торговли, с целью улучшить навыки работы в сфере часовой промышленности.
В 2001 году основным акционером компании становится Паскаль Раффи, который с большим почтением относится к корпоративному наследию Bovet, возрождая вкус к традициям и эмальерным миниатюрам.
Как отмечает сам Паскаль, инициатива по возрождению связи с прошлым стала особой историей. На одной из первых встреч со своими основными дистрибьюторами Паскалю пришлось ответить на язвительный вопрос, что есть у Bovet действительно эксклюзивного. Тогда Паскаль попросил дистрибьютора просто выложить на стол часы двух различных марок, выключить свет и добавить потом свои наручные часы. После того как свет включили коммерсант смог опознать только свой хронометр, а марки других часов оказались под сомнением. Однако когда в импровизированном эксперименте приняли участие часы Bovet, то будущий дистрибьютор тут же марку.
Оказывается всё дело – в конструкции головки и оригинальном дизайне корпуса часов. С 1998 по 2000 годы Bovet производила часы с заводной головкой у метки 3-х часов. Однако обращение компании к стилю прошлых лет побудило дизайнеров искать оформление в стиле карманных часов: так, заводная головка переместилась на позицию «12» часов.
Руководство компании прокомментировало оригинальное решение дизайнеров следующим образом: «Мир начинает привыкать к карманным часам Bovet».
История с дистрибьютором стала одной из наглядных причин, побудившую Раффи оставить старинный и уже ставший традиционным дизайн заводной головки.
Многие модели часов Bovet отмечены различными международными наградами, которые они завоевали благодаря оригинальной дизайну корпуса: часы Bovet стали образцом высочайшего мастерства в деле создания высокоточных механизмов.
Однако есть ещё одна черта продукции этой компании, которая делает часы уникальными и неповторимыми, привлекающими внимание и делающими узнаваемым изделием среди других: миниатюрная живопись на циферблате, сочетающая различные техники эмалирования.
Мастера компании воплотили на небольшом пространстве циферблата одну из наиболее благородных форм изобразительного искусства: живопись на эмали. На металлическую поверхность (в основном предпочтение отдаётся золоту и меди) художник наносит белую эмалированную основу, которую после нанесения подвергают обжигу в печи. Иногда эмалированию подвергают также обратную сторону обрабатываемого металла, что предохраняет его от растрескивания и деформации. На белой блестящей поверхности художник создаёт миниатюрный портрет или пейзаж, который наносится с помощью тончайшей кисти или даже в некоторых случаях волоска. Изображение практически «собирается» с помощью пунктирных точек. Этот метод рисования называется пуантилистский. По мере нанесения слоёв изображения проводится обжиг в печи, а затем наносится завершающий этап: нанесение последнего слоя прозрачной эмали. После этого изображение тщательно полируется.
Создание циферблата по этой технике может занять до трёх месяцев кропотливой и напряжённой работы, ведь всего одно неверное движение может испортить все труды мастера-эмальера.
Коллекция Miniature Painting от компании Bovet – прекрасный образец эмальерного искусства, воплощённого на небольшом пространстве циферблата. Мастера Bovet работают по особой технологии, которая совмещает старинные традиции эмальерного искусства с современными методами, которые были получены в результате своих разработок. Каждая модель этой коллекции – красочный образ, рассказывающий уникальную историю.